Los Mélida, ilustradores de la obra de Galdós.

Muchas veces mientras lees libros "clásicos" pasan desapercibidos detalles que forman parte de las primeras ediciones y que ayudaban, en la época que fueron publicados, a conocer dónde y cómo transcurría la acción. Hoy con el cine, la televisión y el fácil acceso a internet podemos imaginar y encontrar cualquier cosa que nos resulte curiosa en un libro que estamos leyendo, pero hace doscientos o trescientos años pocos podían saber como era una goleta, la ciudad de Cádiz o los uniformes de los marineros que formaban las flotas española, francesa o inglesa de la época. 

Los hermanos Enrique y Arturo Mélida fueron los ilustradores de algunas de las páginas de Los Espisodios Nacionales de Benito Pérez Galdós desde el primer episodio "Trafalgar".

A través de sus dibujos podemos conocer la bahía de Cádiz o el Peñón de Gibraltar.

El aspecto de los personajes históricos que son protagonistas de esta novela histórico-picaresca.

 

La imagen de los barcos que participaron en la batalla de Trafalgar, los mejores de la marina española de la época.

O el desarrollo de la batalla

Estos ilustradores son conocidos además por sus obras escultóricas y arquitectonicas, como el pedestal del monumento a Colón que adorna la plaza del mismo nombre en Madrid y fueron participes de los grupos de tertulias muy de moda en esos momentos, sobre todo los que se realizaban en el Café de Fornos.

 Más información en estos enlaces:
Artículo revista OCNOS-UCLM
Tertulias literarias en Madrid
Historia del Café de Fornos
Project Guteberg

Boldini. Macchiaioli o el impresionismo italiano.

A caballo entre los siglos XIX y XX, Florencia y París, Giovanni Boldini crea su obra. Destacan los retratos de celebridades francesas e italianas. Uno de ellos, quizá el más conocido es el de Giuseppe Verdi, con un enorme bigote, sobrero de copa y bufanda blanca al cuello.

Guiseppe Verdi (1886)

Pero si hoy traigo la obra de este pintor es por cómo me sorprendió al descubrir su forma de pintar. Sus trazos largos, enredados y los colores, utilizados en la gran cantidad de retratos de damas de la alta sociedad que se encuentran entre sus obras más famosas.

Retrato de la Marquesa Luisa Casati (1914)

Los trazos impresionistas, influidos por los pinceles de autores franceses, se dejan ver en gran parte de sus cuadros, aunque Boldini ya había sido incluido en el movimiento Macchiaioli, compuesto por pintores que se oponian al realismo y al romanticismo y que según algunos autores pudo haber surgido unos años antes que el impresionismo francés.

Retrato de la Princesa Marthe-Lucile Bibesco (1911)

Su prolífica obra también incluye retratos de artistas como Sarah Bernhardt.

Retrato de Sarah Bernhardt (1880)

He encontrado un video con gran parte de su obra, por si os apetece un rato de buena música y un poco de arte.

Puedes descubrir más sobre la obra de Boldini aquí: 1 2

Carmen Amaya was different o como asar unas sardinas.

Carmen Amaya era una de esas bailaoras que nació para serlo. En el primer cuarto del siglo XX y con pocos años de edad, junto a su padre, comenzó lo que sería una larga y fructífera carrera que le llevaría a recorrer el país con algunas de las figuras más populares de la época. Al comienzo de la guerra civil su compañía se traslada a Portugal, más tarde cruza el charco y realiza giras por los países sudamericanos.

Pero hoy no voy a traer a Carmen al blog para hablar de su baile, si no de una anécdota a la que el pintor Eduardo Arroyo ha dedicado algunos de sus cuadros.

Recaló en New York estrenando su espectáculo en el Carnegie Hall. Su fama y el triunfo que había cosechado durante los años anteriores le permitieron alojarse en la Suite Imperial del hotel Waldorf Astoria. Un día mientras daba un paseo por las calles neoyorquinas, encontró una pescadería y compró unos cuantos kilos de sardinas, al llegar al hotel los miembros de la compañía y la propia bailaora utilizaron el somier de la cama como parrilla y unas mesitas, valoradas cada una alrededor de 900 $ de la época, como leña para asarlas. Algunos de los miembros de su compañía también cuentan que en las giras americanas en las que se movían por carretera, solían llevar alguna sartén y parar en cualquier paraje al lado de la carretera donde la bailaora preparaba una tortilla de patatas para comer, renegando de la típicia comida basura estadounidense que ya empezaba a generalizarse por aquella época.

    Carmen Amaya asando sardinas en el Waldorf Astoria.

    Eduardo Arroyo

Carmen Amaya fríe sardinas en el Waldorf Astoria.

Eduardo Arroyo

Pollock, la casualidad fractal.

"Drip and splash" o "dripping" es la técnica utilizada por Jackson Pollock para realizar sus grandes lienzos. Consiste en dejar gotear o salpicar la pintura sobre enormes trozos de lona, e ir conectando las formas dispersas que se crean con trazos verticales más oscuros y más gruesos. Hay que tener en cuenta que el aspecto de la obra viene determinado por el vertido de la pintura y, por lo tanto, la base de la estructura del cuadro está influenciada por la viscosidad del líquido, la altura desde la que se vierte y la velocidad utilizada en hacerlo.

Esta creatividad pura desde la nada, donde las obras son la expresión del inconsciente, en las que no se puede apreciar ninguna copia de la naturaleza, Pollock la plasma como un cúmulo de estados.

¿Justificaría esa nada esta curiosa forma de ver "La mona lisa" ?

Richard P. Taylor en su artículo "Order in Pollock's chaos" estudia la criticada obra del pintor desde un aspecto matemático. Analiza los patrones de manchas color por color y descubre las estructuras fractales que se generan simplemente al escurrir la pintura y los posteriores trazos que crea el pintor. El primer color y la forma de aplicarlo determina la fractalidad de los siguientes y el grado de complejidad de la obra, normalmente ese primer color es el que más superficie ocupa y destacará sobre todos los demás.

El estudio revela que no siempre ha seguido esos patrones, pero a partir de los años 40 empieza a observarse la complejidad en el goteo de la pintura. Esta complejidad avanza a lo largo de los años creándose fractales más complejos, tanto en la casualidad de las primeras gotas como en los provocados por las longitudes del movimiento corporal de Pollock, definido por algunos como el ballet alrededor de la tela tendida en el suelo. De igual forma que fue perfeccionando la técnica con el paso del tiempo, también la pintura y sus multiples trayectorias ocupan más espacio en la lona. En sus primeras obras cubre un 20% con pintura, llegando a llenar más del 90% al final de esta época pictórica. El cambio paulatino de la complejidad y el uso de estos patrones ha servido para autentificar y datar las obras.

Aunque el artista no podía definir sus estructuras pictóricas como fractales relacionados con la teoría del caos, ya que fueron definidos en los años setenta, llego a declarar "Quiero expresar mis sentimientos, no ilustrarlos... Y soy capaz de controlar el flujo de pintura; no hay accidentes, lo mismo que no hay ni principio ni fin"

A partir de este primer estudio, otros físicos han analizado los bordes de las manchas. Utilizando 40 obras de Pollock y otras tantas de pintores con técnicas similares, se hacía un filtrado digital aislando los colores y analizando sus bordes. Con un filtro de gradiente Sobel, que procesa la imagen en una escala de grises entre el blanco y el negro y en el que los colores más oscuros corresponden a los bordes más elevados y los más claros al los más bajos. A partir de ahí se divide el cuadro estudiado en cuadriculas y se contabilizan los que contiene el mismo patrón. Las cuadriculas se van subdividiendo en cuadros menores hasta que se puede llegar a representar gráficamente el patrón del fractal como un logarítmo.

Estos estudios han concluido que la obra de Pollock es mucho más compleja que la de los demás artistas estudiados. Las dimensiones fractales de las manchas de un solo color son estadísticamente mucho más altas que las de los demás. Por lo tanto estas estructuras fractales marcaron la trayectoria de la pintura de Pollock. Fue dominando esta técnica de tal manera que, como Juan Gris dijo "En el momento que sabes cual va a ser el resultado estás perdido" y él la dominó de tal manera que llegó a, según asegura Taylor, destruir alguna obra a principios de los 50 que correspondía a un nivel 1.9 de complejidad.

¿Magritte inspira a Scorsese?

Esta es la cabecera de una nueva serie que Canal + emitirá en España a partir de diciembre, Boardwalk Empire. Las cuidadas producciones de la cadena HBO continúan con esta serie producida entre otros por Scorsese, involucrado en el proyecto desde el principio y que dirige el capítulo piloto, un capítulo que sabe enganchar. Las nuevas tecnologías nos han permitido a muchos disfrutar ¿o no? de ella, aunque esta entrada no es objeto de esa crítica.

Me llama poderosamente la atención, en las imágenes de presentación de la serie, el parecido con la obra pictorica de Magritte.

La estética de Steve Buscemi en estos primeros minutos de presentación guarda muchas similitudes con algunos de los cuadros en los que Magritte representa a hombres de espaldas, así como las imágenes de cielo nublado, otro tema utilizado por el pintor en muchas de sus obras.

El maestro de escuela
(René Magritte-1954)

Continúan las imágenes y se detienen detalladamente en un clavel rojo que Nucky lleva en la solapa

y que podemos comparar con este otro cuadro

La tumba de los luchadores

(René Magritte - 1961)

Y sobre todo las botellas, quizá a imagen parada no tanto, pero si en movimiento, me recordaban a una lluvia de hombres por los cielos de las ciudades imaginarias del belga.

Golconde (René Magritte - 1953)

Aunque en esta ocasión para comparar rotaremos 90º la imágen original.



Curioso ¿no?.

Basquiat, el mito.

Dentro de las diferentes ramas del arte como el cine y la música morir joven ha supuesto el paso directo de un artista reconocido a mito. Todos, al hablar de este tema, pensamos directamente en James Dean o Marilyn, en Kurt Cobain o el recientemente fallecido Michael Jackson. El mito conlleva tener una muerte trágica, una forma de vida controvertida fuera de los estándares sociales establecidos y un abuso de las drogas de cualquier tipo. Dentro de la pintura también existen esos mitos y uno de ello es Basquiat.

Nacido en Brooklyn pasó, a raíz de la desintegración de su familia, por varios centros públicos y privados y acabó siendo explusado de un centro escolar para superdotados por su rebeldía. Vive en la calle por voluntad propia durante los dos siguientes años y comienza su relación con el grafiti, cabe destacar los dibujos influenciados por el libro Anatomía de Gray regalo de su madre cuando era un niño, firmando sus obras junto con su amigo Al Díaz, con el acrónimo SAMO (Same old shit "la misma vieja mierda").

Después de participar en algunas exposiciones colectivas desaparece SAMO y Basquiat crea el grupo Gray donde toca el clarinete y el sintetizador.

(Sountrack de la pelicula Downtown 81 )

Comienza su interés por los artistas que conforman el expresionismo abstracto y las vanguardias influenciadas por Mattise o Picasso, la simbología popular, la crítica a la sociedad de consumo, la simbología negra y el jazz, este conjunto irá perfilando su forma de pintar. Va introduciendo sus trabajos en galerías que abren sus puertas al grafiti como movimiento artístico. A través de un artículo publicado en la revista Artforum y la venta de gran cantidad de obra por Annina Nosei, su marchante, empieza a hacerse famoso. Conoce a Warhol y mantienen una colaboración enriquecedora para los dos.

Sumido en el mundo de las drogas desde hace tiempo los amigos empiezan a preocuparse de sus abusos, encontrándolo en ocasiones incosciente. Fallece a los 27 años de una sobredosis de heroina, tras haber expuesto en la Galería Baghoomian de Nueva York por última vez donde obtuvo unas buenas críticas.

Su vida fue llevada al cine en 1997. La película Basquiat está dirigida por Julian Schnabel y en ella David Bowie interpreta a Warhol en uno de sus más reconocibles papeles en el cine.

Como contraste a los comienzos del pintor, que utilizó la decoración de camisetas y postales para poder susbsistir, una conocida marca de calzado deportivo ha utilizado, en sus últimas colecciones, la obra de Basquiat para hacer sus líneas más urbanas.

En esta web se puede encontrar una buena selección de su obra.

Píxel

¿Cuántos píxel podría tener una cámara de fotos que retrata esta imagen?

¿y esta otra?

Aunque si os fijáis en los detalles y en la firma que aparece en las imágenes no son fotografías, son parte de la obra del pintor hiperrealista iraní Iman Maleki.

Este es un detalle de la primera obra que he puesto donde se puede apreciar los trazos que dan vida a un pantalón vaquero.

Visto, compuesto y oído (I)

Aunque Músorgski compuso "Cuadros de una Exposición" como obra para piano Ravel le dió, con su arreglo para orquesta, la forma necesaria para hacerla una de las obras más interpretadas del maestro ruso.

A raiz de una exposición del pintor Viktor Alexandrovich Hartmann, amigo del compositor, y después de su prematura muerte, Músorgski decidió homenajearlo poniendo música a cada uno de los cuadros que la conformaron.

Comienza la suite con la frase que servirá de presentación y finalización de la misma y que se utilizará como nexo de unión de los diferentes cuadros pero con distintas armonías, instrumentos, ritmos y movimientos, El Paseo, que nos lleva a través de la sala de un cuadro a otro. (minuto 0:25 al 2:05)

Después los pasos del pequeño Gnomo donde la orquesta al completo nos sumerge en un bosque siniestro y donde los diferentes instrumentos nos hacen observar la marcha lenta del gnomo (metales graves y cuerda) o los movimientos ligeros (viento madera y clave) (min. 2:06 al 4:39). Y toman la trompa, el fagot y el oboe, terminando el clarinete la marcha para iniciar de nuevo El Paseo (min. 4:40 al 5:36) y trasladarnos a un Viejo Castillo donde un trovador canta en boca del saxofón, instrumento poco utilizado en las obras de orquesta (min. 5:37 al 9:58).

Y vuelven a sonar las trompetas dirigiendo nuestros pasos y nuestra mirada hacia...